Iván Trueta
Proyecto - Project
Escribe Marc Augé que “los recuerdos de infancia se asemejan a recuerdos-imágenes: presencias fantasmagóricas que acechan, unas veces levemente y otras con más insistencia, la cotidianeidad de nuestra existencia”[1]. Estos espectros cohabitan con nosotros en el presente igual que imágenes, difuminándose y entremezclándose como en un continuum. Esto hace que el pasado no se torne inamovible sino que sea expandido y transitable, y que estar en el presente sea convivir con el pasado y con aquello que de este nos configura y nos asedia.
El trabajo de Iván Trueta refiere esta temporalidad dislocada. Con gran destreza en el dibujo, registra desde hace años y de manera obsesiva, espacios y objetos propiedad de su familia que han dejado diversos huellas. Reproduce y retrata de forma perturbadora el vacío de los clavos en los muros de su casa, la alcancía de su abuela o el ventilador de su recámara. Pueden ser objetos simbólicos y preciados que trajeron del exilio, ausencias en las paredes, espacios familiares o rastros de un lugar que desapareció... todo en un intento de encajar el tiempo de la memoria en su ahora. Como describe el propio artista, el proyecto ahonda en las potencialidades de desolación, abandono y nostalgia que conlleva la experiencia de habitar. Los objetos cotidianos, como los espacios, se vuelven así connotados y significantes, depositarios de nuestros afectos, recuerdos o experiencias. De modo que en nuestra identificación con ellos es donde reside nuestro arraigo. Pienso en el escritor catalán Francesc Trabal, exiliado en Chile, que llevaba siempre las llaves de su casa de Barcelona en el bolsillo, por si tenía que volver súbitamente.
Los espacios y los objetos se vuelven lugares. Y la casa de Trueta, antes casa de su abuela, aparece como ese espacio desde donde re-significar. Su interés no proviene de una nostalgia ni de una idealización sino más bien de un pulso propio, una tensión donde el espacio aparece como eje vertebrador de la memoria. En este arraigo al presente, los dibujos se despliegan como recorridos cartográficos que enlazan temporalmente con otros espacios, en el contexto de su propio ámbito doméstico. El ejercicio del artista es el de un desplazamiento temporal donde se superponen esas capas y se da una nueva significación al tiempo interrumpido. Se pone de manifiesto la acción literal de re-presentar, esto es, volver al presente y reinsertar la imagen en un lugar y su memoria.
De este modo, el acercamiento del artista no es el de la simple reproducción de los elementos. Sus dibujos presentan diferentes gradaciones de negro, fruto de varias capas de veladura del grafito. Trueta superpone y recubre de material el dibujo mismo en una clara intención de desvanecer su representación. La imagen inicial queda suavemente anulada por la acumulación de grafito, en un gesto paciente que acaba negando el retrato. Alterna en las obras diferentes gamas de oscurecimiento: piezas ennegrecidas, otras más blanquecinas; intensidades que le permiten incidir en el borrado del dibujo. Y siguiendo lo mismo, los claroscuros que intencionalmente aplica en las obras le dan pie para una iluminación dramática, que de nuevo le permite disipar el elemento pintado, a la par que crear un ambiente embelesado y de indeterminación. La imagen, recuerdo de esos espacios y objetos, es a veces más perceptible que otras, pero queda siempre difusa y suspendida. Como la memoria.
El resultado de este tratamiento es la tensión entre la aplastante literalidad de la práctica del dibujo y la sensación de detención pictórica que crean las diferentes tonalidades de las obras. Los dibujos mismos frenan su propia pretensión e ilusión de mímesis y nos recuerdan su esencia originaria, esto es, que son puro carboncillo.
Pero Trueta va más allá en estas exploraciones de la representación e incide en la materialidad misma del proceso de trabajo. En otra serie de obras, el propio grafito se presenta como parte constitutiva de la pieza. El artista coloca una tela preparada en el suelo de su estudio para poder recoger el mismo material que se desprende durante la elaboración de los dibujos. Así, el grafito sobrante que se desprende del trazo queda absorbido en el soporte del suelo y conforma unas impresiones con vida propia. El residuo se convierte en pintura, y ese resto deviene también re-presentación y testimonio del trabajo constante. Son pinturas que condensan esos períodos de trabajo y muestran la reconversión de los residuos en representación. Cada pieza, pues, tiene una suerte de díptico, es decir, un doble o negativo de la pieza, realizado por el material restante del dibujo original.
Por otra parte, resaltar la materialidad del grafito le permite a Trueta abordar la temporalidad del acto mismo de dibujar. El tiempo de ese trabajo queda impregnado en las “piezas de suelo”, como develamiento de ese intervalo creativo. El grafito está presente asimismo en una pieza desplegada en el suelo. Se trata de puro polvo de grafito, que crea la silueta de la planta de la casa del artista. El espectador, al visitar la exposición, pisará el material y dispersará el carboncillo componiendo un nuevo trazo y generando un nuevo un rastro de ese espacio y de su memoria.
A su vez, la muestra incluye una pieza auditiva en la que el artista registra el sonido que se produce en el acto de dibujar. Con ello, el visitante se sumerge en la abstracción del trabajo y se hace cómplice de ese tiempo creativo. En todas estas piezas, en esta plasmación del proceso, el artista inscribe la permanencia del tiempo físico.
De esta manera, el trabajo de Trueta se presenta como una cronografía en su definición literal, esto es, la descripción gráfica de las múltiples vertientes de un tempo. Y no lo hace como una mera enunciación sino como una transfiguración del tiempo en sí mismo. No aborda una temporalidad lineal o cronológica sino su re-significación. Las cosas son y no son al mismo tiempo; resultan como una reaparición que se inscribe en una nueva temporalidad y una nueva formalización que comparte el artista. Y en el intersticio de esa ausencia es donde se produce la huella que se inscribe en nosotros. En su obsesión por aprehenderlo, el tiempo queda suspendido y cuestionado en los dibujos del artista, encerrado en el espacio, desaparecido en los pliegues de una vieja mesa de madera.
Estamos en un tiempo-sin tiempo [2] y en la detención que propone el artista se encuentra el dispositivo crítico para entender el tiempo como mecanismo de análisis. El trabajo de Trueta es el de abordar ese tiempo re-significado de una contemporaneidad que como define Graciela Speranza es “el tiempo topológico de la literatura y el arte de hoy, que se expande, se contrae, se pliega, se riza, se acelera, se detiene y enlaza otros tiempos y otros espacios.”[3]
Virginia Roy
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Notas a pie
[1]
Marc Augé, Las formas del olvido, Gedisa, Barcelona, p. 13.
[2]
Término definido por Reinhart Koselleck en Futuro pasado. Para una semántica de los tiempos históricos, Paidós, Barcelona, 1993.
[3]
Graciela Speranza, Cronografías, Anagrama, Barcelona, p. 16.
Marc Augé writes that “childhood memories are similar to remembrance-pictures: ghostly appearances that, sometimes fleetingly, sometimes more insistently, haunt the common aspect of our existence” .These spectres cohabit the present with us as images, becoming diffuse and entwined into a continuum. This causes the past to be not immovable but expanded and moved through, and turns being-in-the-present into a coexistence with the past and that of it which constitutes and besieges us.
Iván Trueta’s work addresses this dislocated temporality. With great skill in drawing he records - a process carried for years and in an obsessive manner - spaces and objects belonging to his family which have left various forms of traces. He eeringly reproduces and portrays the void left by absent nails in the walls of his house, his grandmother's money box or an electric fan in his bedroom. These may be symbolic and precious objects carried in exile, absences on the surface of walls, familiar spaces or traces of a place lost… all functioning as attempts at making memory-time fit into present-time. As the artist himself describes, the project dwells on the potentialities for desolation, abandonment and nostalgia inherent to the experience of inhabiting. Everyday objects, as spaces, are thus both connoted and signifying, depositaries of our affects, memories or experiences. It is in our identification with them where our sense of belonging is rooted. I think about the Catalan writer Francesc Tarrabal who, exiled in Chile, always carried the keys of his house in Barcelona in his pocket, in case he had to return suddenly.
Spaces and objects become places. And Trueta’s house, formerly his grandmother’s, offers itself as the space from where to re-signify. His interest is not moved by nostalgia, nor is it an idealisation, but rather, it comes from a singular drive, a tension in which space appears as the backbone of memory. In their rootedness in the present, the drawings unfold as cartographic trails that connect with other spaces in time, within the context of their own domestic setting. The artist’s exercise is that of temporal displacement, where layers are superimposed and a new signification for time interrupted is given. The literal act of re-presentation is made manifest, that is, to return to the present, to reinsert the image in a place and in its memory.
In this way, the artist’s search is not that of a simple reproduction of the elements. His drawings present different gradations of black, result of several thin layers of graphite. Trueta overlays and covers the drawing with material, in a clear intent of fading representation. The initial image is softly annulled by the accumulation of graphite, a gesture of patience that ends up denying portraiture. The works alternate between different ranges of obscurity: some pieces darken, others whiten; these intensities allow Trueta to work upon the drawing’s erasure. In the same vein, the chiaroscuro that he intently applies in the pieces leads him to a dramatic use of light, which again allows for the painted object to become diffuse, at the same time as creating an indeterminate, enthralling atmosphere. The image, memory of those spaces and objects, at times more perceptible than others, is always diffuse and suspended. So is memory.
This treatment results in a tension between the crushing literalness of the practice of drawing and the feeling of pictoric interruption created by the different tonalities in the works. The drawings themselves interrupt their own pretence and illusion of mimesis, reminding us of their original essence, that is, their being-charcoal. Yet, Trueta goes beyond these explorations of representation and intervenes upon the very materiality of the work process. In another series of works, graphite itself is presented as constitutive element. The artist places a prepared canvas on the floor of his studio, gathering the material that is separated during the making of the drawings. Thus, the remains of graphite, detached from the trace, are absorbed by the surface laid on the floor, forming imprints with life of their own. The residue becomes the painting, the remnant becomes re-presentation and testimony of constant labour. These are paintings that condensate those work durations and display the reconversion of residual matter into representation. Each piece, then, has a sort of diptych-other, that is, a double or negative pair, made up of the residual material of the original drawing. On the other hand, bringing the materiality of graphite to the fore allows Trueta to tackle the temporality of the drawing act itself. Work-time remains impregnated on the “floor pieces”, as an unveiling of the creative interval. Furthermore, graphite is present on a piece laid on the floor. It consists of pure graphite dust forming the silhouette of the artist’s house floor plan. The spectator visiting the exhibition will step over the material and disperse the charcoal, composing a new trace, generating a new imprint of the space and its memory. In addition, the exhibition features an audio piece on which the artist registers the sound produced by the act of drawing. Through this sound, the visitor becomes immersed in the abstraction of the work and is made complicit of that creative duration. For all of these pieces, it is in this capturing of the process that the artist inscribes the permanence of physical time. In this way, Trueta’s work functions as a chronograph in the literal sense, that is, a graphic description of the multiple intensities within a given time. And it does so not as a mere enunciation, but rather as a transfiguration of time itself. The work does not engage with a linear or chronological temporality; instead, it tackles its re-signification. Things are and are not, simultaneously; they act as re-apparitions, inscribed on a new temporality, a new form given and shared by the artist. And it is in the interstice of that absence where the trace that is inscribed on ourselves is produced. In an obsession for apprehending it, time remains suspended and questioned in the drawings, encapsulated in space, lost in the folds of an old wooden work table. We are in a time-without-time , and in the interruption proposed by the artist is where we find the critical device needed to conceive time as mechanism for analysis. Trueta’s work is that of engaging with that re-signified time of a contemporaneity which, as defined by Graciela Speranza, is “the topological time of literature and art today, which expands, contracts, folds, curls, accelerates, halts and binds other times and other spaces” . Structure of the exhibition Introductory section: The show starts with a sound piece on which the tracing of graphite during the artist’s working process is heard. This piece is accompanied by an exterior portrayal of the artists’ house and a drawing of the house’s power sockets, both acting as an introduction of the exhibition’s thematic field: the memory of space and the re-signification of time. Room 1: This first section presents the most intimate works in the show. These are imprints and traces from the artist’s domestic space, signals of its use: marks, lines, cracks, nails, screws, damp on walls, floors or ceilings. These are displayed in such a way as to recreate a spatial sensation of desolation and abandonment. Room 3: In this room the play with degradation and layering of the project can be best appreciated. The drawings here are made with a grisaille technique, they are also the result of endless layers of graphite in different densities, which aim at, in many occasions, reaching the greater degree of saturation allowed by the material. The superposition of layers becomes a temporal and obsessive ritual: to reach black having departed from white requires long working sessions in which the memory of the observation of those spaces, objects and traces, along with their symbolic charge, accumulate progressively as the end result is increasingly inapprehensible. Following the work with dry materials, the artist uses the dust of residual graphite (that produced by rubbing the tools against the surface, or that left as residue after sharpening them) to prepare an ink which he uses to apply thin, overimposed glazes over the drawings. Room 2: This room brings together the drawings of family objects along with the “floor pieces”. These works document drawing time itself: over the floor of the studio and under the surfaces on which the artist works, he places prepared canvases on which the dust of graphite falls constantly, detached from the process taking place above. The dust is caked and spread around the floor by the steps and movement of the artist during the making of the drawings (of spaces, objects and traces). On the floor, at the centre of the room, graphite dust is placed in recreation of the floor plan of the artist’s house. The dust will be stepped over and dispersed around the space by the visitors, creating new traces and trails.